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中法文化之春·透明的声音

年5月8日，由上海民生现代美术馆主办的展览《透明的声音》开幕。本次展览由詹姆斯?吉鲁东（JamsGiroudon）策展，里昂国立音乐创作中心（GRAME）为上海民生现代美术馆特别制作。展览为年“中法文化之春”主要活动，并得到里昂法国文化中心和瓦隆-布鲁塞尔国际关系署的鼎力支持。以下为“凤凰艺术”为您带来的现场报道。

▲上海民生现代美术馆

“悠远而长久的回声相互交织…香气、色彩和声响互道回声…”

夏尔·波德莱尔，年在《恶之花》中如是写道。这种想法在现代性的无意识审美中不停地激荡。

《透明的声音》是以“透明”为主题的声音艺术群展，云集26位艺术家的45组件听觉和视觉杰作。展览中大多数装置作品以空间化设计为基础，借助各种透明材质或发光材料，传达出了“透明”所含的光学状态以及视觉表达能力。展览中，“声音”在人们专注于静默的时候显现，一个不辨虚实的听觉世界被发觉出来。整个展览将穿梭在声光波之间的系列作品联系在一起，开创出了不同的视听场景，吸引参观者主动参与其中。在参与的过程中，不同艺术领域间存在的复杂关系在美术馆铺展开来，给参观者呈现出一种自由的、离散的、矛盾的、甚至完全交错的感受。

▲开幕式现场：上海民生现代美术馆馆长甘智漪发言

▲开幕式现场：《透明的声音》策展人詹姆斯·吉鲁东发言

▲开幕式现场人山人海

▲开幕式现场：中国民生银行总行办公室主任陈国强发言

▲开幕式现场：法国驻华大使馆文化参赞罗文哲发言

▲开幕式现场：嘉宾合影

展览随着美术馆平缓的斜坡渐次展开，将现实生活的面貌层层过滤，构造出一个高度提取现实的美学图景。在这个与日常生活不同的场域，展览借助每位艺术家感知世界的方式，让观众置身于一个充满了各色光影、寂静与嘈杂、复杂而不断变化的世界。

《透明的声音》系列布展云集了一众听觉和视觉杰作，它们与由雅克·费尔叶创作的年上海世博会法国馆，也就是民生美术馆的建筑主体交相辉映。

音乐性通过科技不断的协调，在这个不同领域混杂的结构中占据了核心位置。音乐作为传播的艺术，借助复杂的创新科技从未停止其更新的脚步。

▲展览现场：皮埃尔-阿兰·雅弗雷努《天使坠落》

▲展览现场：米歇尔·弗朗索瓦《水的悬滞》

十八世纪起，被发明出的机械数之不尽，比如天主教修士路易·贝特朗·卡斯特尔发明的可视化羽管键琴就被用来创造出“彩色音乐”。二十世纪也不乏有新式乐器登场，比如弗拉德米尔·巴拉诺夫-罗西内发明的八频钢琴和彩色光谱投影。

五十年代时，音乐以首席数码艺术的身份出现，电脑被用来创作乐谱和合声。这段时期在法国和德国，具体音乐和电子原音音乐（美国的磁带音乐）的崛起也引人注目，它们把音乐的声响从纯粹工具化以及编码化的源头里解放出来，同时将它们放入了一个多维的空间里。

数码手段的普及产生并加速了艺术作品去物质化的过程，并介入到每个元素的相互运动中。所有都变得更轻，甚至变得无意义、漂浮乃至透明。

▲展览现场：德尼·凡桑《此时此地》

▲展览现场：帕斯卡·弗拉芒，让-弗朗索瓦·艾斯塔杰，亨利-夏尔·卡杰《此处时间长流》

▲展览现场：江元皓《见花又是花》

▲展览现场：王福瑞《电磁音景》

通透感在被倾听的过程中，声响在人们专注于静默的时候被发觉出来。这里展示的装置艺术在虚实间展现了边界和属性的不可能性，它们把不同艺术领域间存在的复杂关系铺展开来，它们是自由的、离散的、不和谐的、甚至完全嵌套的。

也就是这样，这些浸润在崇拜隐秘和通感的混合作品与其他建构交汇，视觉和听觉在不同轨迹间穿插，陈设在非物质性的空间内。这些表达方式将我们置于我们个人对于世界的感知以及对现实的连接之中，其中我们自我的一部分会投射在一片云雾里：人类已经成为整个浮世的感知者。

▲展览现场：米歇尔·弗朗索瓦《在霓虹灯上走过》

▲展览现场：邓悦君《呓语》

▲展览现场：皮埃尔-阿兰·雅弗雷努《绿色声音》

▲展览现场：杨·奥拉瑞，塔菲克工作室《72击》

从声音的内部空间到它从高音喇叭阵列中传出，当代音乐把各种引人入胜的情境罗织出来，绘出了逃遁的线条并建立起了一座座听觉大厦。装置艺术中的透视概念在词源上和通透的概念紧密相关，并最终在听觉和视觉上消于无形。

展出的大多数装置都是以空间化设计为基础的声学建筑。作品《72击》的组成部分有六个镶满ld灯棒，以及投射出多重图像、装饰、和声音轨迹的撞击器。《72击》可以被理解为一个空间的穿梭，在那里声响无影无踪，线条和物质在“星辰”空间里产生和崩塌。而在皮埃尔·阿兰·雅弗雷努的作品《绿色声音》中，观众可以自行创造出不同的组合，而在皮埃尔洛朗卡希尔的作品中，观众则可以通过声音再造体验声学空间。

▲展览现场：帕斯卡·弗拉芒《居民（第一部分）》

▲展览现场：帕斯卡·弗拉芒《灯的精灵》

▲展览现场：托马·莱昂《玻璃房子—外景勘察》

数码生活开启了确定存在的新领域。它引起了表达方式的大爆炸，它自我完善着，建起了分享平台把我们投入到无限网络里的躁动中。正如展览主题所指出的，通透，是业已普及的数码化与生俱来的性质，它也是一个标准：它成为了所有社会维度的操作模式，即便它也会产生和本体相悖的效果。许多关于数码社会的研究阐述了社会关系的同质化过程、不平等的再生和激化，已经角色扮演游戏的扩大化。

社会学家多米尼克卡东分析了神奇的逻辑算法带来的面具效应：“算法如何运行是一个不为人知的秘密，个体越是通透，那些观察他们的人就越发模糊。”被揭示的真相似乎在一个漂浮的宇宙中演进，没有人能知道它们的缘由和出处。所有都在那里，都被隐藏起来。。。

▲“透明的声音”展览现场

▲青年学者、艺评家张未与策展人詹姆斯·吉鲁东

对于可视化的追求建立于一种相当明显的模糊之上，它保留了强权，躲开了一切个体的审查，即使对于一个拥有发达大脑的人类也不例外。由于时间或者空间多重分裂的加速以及数据的疯狂叠加，通透可以让人辨明这世界的喧杂和混沌，而非这个世界和对它的解读。

在这个社交网络大行其道的年代，每个人都被炫了出来，真实和通透之间的混淆造成了幻象：后者采取的方法是累加数据以及不断过滤愈加复杂的现实。它试图让我们忘记数码混沌里的模糊性，但同时所有对真相的搜寻都会选择性地进行保密和暴露。而相反的是，围绕着完全通透的概念，一个并不明细的架构已经或即将被建立起来。通透同样也揭示信仰，就像大教堂里的彩绘玻璃一样。和宗教教条不同的是，展览通过不同的情境把我们带到了一些明亮的空间，它解开了层层面纱把我们变成声音、图像和有时不曾感知到的领域的窥探者。没错，世界变得越来越通透，因为它从未如此非物质化，如此反应神速；同时这种状态也把个体间隐匿维持着的持久联系变得悄无声息。

大多数作品都贯穿了知觉领域，探索了不同的呈现方式，它们一个接一个地分布在美术馆的四层，它着力体现出材料的光学属性，在光和暗、快与慢之间转换，它们让虚拟场景，生态系统，可以触及的现实和发光的回声互相冲突。它们同样开启了一条充满可能性而又无法预料的观赏路径，它变化多端，充满了倒影和模糊的往昔，直到静默被聆听，让人感受到无可再磨灭的本源。

“我曾如此爱过玻璃，它是一种凝结的水、在指尖可有可无，它持久而脆弱，是灵魂所在。玻璃是凝固的气息，它也是我们吐息沿着图案刻画最终消弭的边界。”

▲皮埃尔-阿兰·雅弗雷努《天使坠落》声音及视觉装置

浸没在全然黑暗中，有一个盛满红色液体的巨型玻璃盆被放置在生锈铁块做成的长方形碑上。从作品空间上部放射出的一束纤细纯色激光笔直射入大盆的中央。

每隔一段时间，就有一滴，彷佛颗闪烁的红宝石，以让人晕眩的方式坠入光的细纹里。整个装置仅通过来自液体内部的光而被点亮。光线彷佛从盆中升起并在交汇时迸发出光亮。通过一个多点播放系统，（作品现场）模拟了翅膀拍击以及水滴穿过空间的音响效果。在一些更具有音乐性的片段里，黑暗和光明伴随着呼吸时断时续，夹杂着这段罕见背景音乐带来的静谧。

最终，在不可预料的一刻，水滴坠落，并创造出一个独特的声音事件。它们带着强烈的回声，诗人的只言片语从中流露出来。沿着这条光的小径，液体从黑色到明亮的红色，看起来像是心脏或肺脏在经过所有命中注定的劫数后获得了重生。观看者可以长时间地端详、倾听，以等待命中注定的下一刻。

▲米歇尔·弗朗索瓦《水的悬滞》装置

充满水的透明塑料袋被系成串，悬空于地面之上。该作品运用了雕塑作品特有的物理张力（空/满，轻/重，压缩/释放）……米歇尔·弗朗索瓦好像在空中抓住了难以捕捉的自然实体，比如元素，从而让坠落前的那微妙一瞬在此凝固。

▲帕斯卡·弗拉芒《不动心》物件

一颗心脏被放置在平板上，它有节律且安静地跳着，毫不紊乱慌张。

▲玛侬·德波尔《两次4分33秒》影像35毫米胶片、彩色

玛侬·德波尔邀请了居住在布鲁塞尔的钢琴家让-吕克·法尚在当地的表演艺术研究及训练馆现场表演了两次约翰·凯奇的名作《4分33秒》。第一次表演时，摄像机捕捉了他对于这一“沉寂”的音乐创作的演奏，以及他在三次停顿处掐了秒表，这是3次约翰·凯奇分别标注在1分40秒，2分23秒和30秒时的停顿。由于使用35毫米胶片拍摄，（两部分影像）都确保了细腻的画质；而第一次表演（的影像）更是与录制现场的背景音响完美同步，这在整部影片播放时会通过杜比环绕声放送。但到了影片的第二部分，也就是第二次表演时，德波尔剪切掉了所有声音，唯留在1分40秒，2分23秒和30秒时的停表声。长镜头从法尚开始逐步移向他的观众，最终移到了场馆门外，在市中心边缘的地区景观，随即被通讯电线和防风林阻断；这一切听不到。第二次表演在电影中的表现需要依赖于现场观众中沉寂下来的氛围。

▲格里高利·沙通斯基《地平线》影像

互联网在上世纪呈现出的属性是非物质化的，好像“飘在云中”。然而网络是由一个繁重的物质设施，洲际电缆和集中数据的数据中心组成的。《地平线》是一次在照片里的无限遨游，这些展示了数据中心走道的照片都是网上找到的。这些照片使用了典型的阿尔伯蒂式的透视。视线不断延展的同时眼睛却保持静止。

▲王福瑞《电磁音景》声音装置

电力的发明，带来第二次的工业革命。电流在都市有如人体血管般的密布漫流，透过线圈将听不见的流窜电磁波转换成声音，有如都市的电磁音景。《电磁音景》出现在坡道展厅刚开始处，作为一件声音互动装置，运用电磁技术将声音与空间再度解构，一个个通电的铝制框架悬吊在空中，观者须手持特制仪器走近这如悬浮都市般的装置，才能聆听到艺术家录制的电磁音景。

▲帕斯卡·弗拉芒《居民（第一部分）》装置-

这些微缩人像被放置低温表面上。水蒸气渐渐凝结了冰。居民们慢慢不可避免地被冰霜吞噬。

▲米歇尔·弗朗索瓦《在霓虹灯上走过》装置-

《在霓虹灯上走过》由铺在地上的白色霓虹灯组成，它们完美地排成一排，但每一根都从中断裂。从年到年，米歇尔?弗朗索瓦屡次使用这样的审美法则，尤其是在年布鲁塞尔弗拉芒文化中心（DMarktn），该作品成为了行为艺术的对象：在光天化日下，艺术家踩在霓虹灯上，用脚把它碾碎。

这个作品展现了审美和象征趣味。它首先是观察到脚下的材质状态和质地转换带来的视觉愉悦：光洁的镜面让位于碎屑和尘土，唯留路中央白色印痕。霓虹灯的使用重新拾起了关于日常用品变形的主题，艺术家自己这样解释：“物件丧失了他们的作用……这是绝对的废弛，这些物件仍然保有记忆，但我们却不再使用它们了。”

▲多米尼克·布莱《椭圆》装置

《椭圆》是由十六支三脚架上的麦克风组成，它们构成了一个在空间内倾斜的圆形变体，正如一个椭圆一样。在剥离了（作为接收器的）原始功能，并连上了(隐蔽了的)电脑声卡用以发出声响后，这些麦克风被“逆向”用作扬声器，以此重建起回荡在装置中的声响，描绘出一个充满悬念的椭圆效果。电脑程序会逐渐开启十六个声道，根据升速再降速的规则，让人感到每个声响分子在空间内划出的轨迹。通过反向的声音传播顺序—原本的录音设备被当成音箱使用—使得这个装置会给观众带来一种困扰，并会因为立体声音材料的重复性和催眠性而被放大。这个设备的静态面会与通过声音脉冲模拟的变速圆圈运动的运动产生对比。观众可以绕圈，也可以跟随声波频率尽情漫步。

▲多米尼克·布莱《无限》物件

《无限》是两只相同耳机的组合。这两个装置起先是被拆解然后又被装配起来，一个耳机被反方向放置，最后相邻排列，两个耳机合一，形成完美对称。一个隐藏起来的音响播放器会播放超低音声响的背景音乐。两个重叠的音响势必会把本来禁锢在腔体里的声响释放出来。通过个人听音器械的使用，这个作品把裸耳无法听到的自然声响频率封闭起来，它们是由艺术家在北极收录的。该装置组合的复古造型让人不能不想起无限的象征意味，它是自身的往复，我们可以想象声音分子在不断进化直到生命的永恒。

▲米歇尔·弗朗索瓦《墨的悬滞》装置

《墨的悬滞》是黑色不透明版本的《水的悬滞》。这些装满黑色墨水的塑料袋积累并悬空于地面上，形成一个球状的雕塑。这一空间中的悬浮是一种暂时的悬浮，雕塑以重复姿态的集合体现形暗含脆弱和危险的时刻来临，并呈现了一种对世界未来的悲观看法。

▲斯特凡·博瑞尔，克里斯托弗·勒布雷东，随机实验室《智能领地-嬉游曲》数字环境下的互动装置

该作品像是一片智能手机的森林，每部手机互相联系，倾听，应和，像萤火虫般发出光亮。笑声被用作为声音素材。装置调节了节律，充分利用了这一快乐且人性的素材，同时它们也不失动感和古怪。

借助智能手机里数码声像的运用，这一作品的核心是把音乐行为通过电子原音的音乐网络显现出来。物件间的交流是通过低音喇叭和手机麦克风完成。这种环境局限反倒可以定义出一种音乐生态系统，其中人的行为会成为所在空间组织和声觉环境的支配物。人只需要在《智能领域-嬉游曲》出现便会打破整个环境的平衡和演化过程。

观众凭借自己的智能手机并下载Smartland应用软件便可以加入这个声觉生态系统的互动中。《智能领地-嬉游曲》可以被视作一个后数字时代的花园。

▲威廉·阿纳斯塔西《卷心菜沙拉》影像

作品展现了威廉·阿纳斯塔西和他的伴侣多夫·布拉德肖如日常仪式般通过钢琴和歌唱表演科尔·波特作品时的场景。阿纳斯塔西通过镜子拍摄自己。

▲江元皓《见花又是花II》影像3D动画

我们可以将社会群体中的单一个体视为一个“点”，人与人之前的连结与交互作用视为“线”。大量的链接与交互作用则组织出“面”。在恒常的间轴里，每个个体的出现、停留到消失是如此短暂。我们透过“光”做为与其他个体联系与沟通的桥梁。彼此间的连结发生在瞬息之间。庞大的连结与交互作用中，不断触发的“昙花一现”构筑出你我的存在空间、拼接出无质量的网络世界。无边境的虚拟数据平台中被刻写着我们试图留下曾经存在的轨迹。

▲达尼亚·雷蒙《未完成的格陵兰》影像

“对我来说，影像是高级的信息工具，而我选取的场景已经和表现主题混杂在一起。所以我摄制了一些真实和虚拟的风景，不仅仅是因为它们带有世界政治和历史演化的印记，更是因为它们直接和图像主题有关，影响我电影的现有拍摄方式。”

“这是一部合成图像构成的单幅视频，把米开朗基罗·安东尼奥尼未竟的剧本移植到了该介质上。合成图像是接触电影非故事性质的契机。它好似一个历史档案，并没有否定安东尼奥尼作品虚拟且未完成状态，反倒强调并侧重了这一点。

安东尼奥尼的剧本描写了一个居住在世外桃源的族群的最后时光，他们将会面对突如其来的冰川期。电影大师强调了风景遭受的状态变化。

对我来说，其意义不仅仅导演了安东尼奥尼的作品而已，更是把虚幻的剧本放到虚拟媒介中演绎。图像用合成图片重建了冰川图景，同时也展示了创作的所有过程……”

▲江元皓《见花又是花》影像3D动画，光雕投影

空间的观念因为科技的进步及网络的发达，更加多元多样，而超越了文化及语言的隔阂。在科技改造后的今天，我们更着迷于“连结方式”的本身。

新媒体创造了一个具有无国界特质的网络空间，科技实践了乌托邦的理想世界。我们开启了一扇又一扇通往美丽新世界的窗，那里，像似一个没有忧郁的国度，没有确切的制约与规范。这个世界为了每一个个体而构筑、存在、壮大。这里的一切是如此陌生、惶恐、充满新奇，却又如此熟悉、似曾相识，就像在自己的私密空间里一样自在。我们交流、分享、谈恋爱，但我们却永远只能在窗外。

投影在墙上的3D影像结合了展览空间的结构与透视关系。观众必须站在特定角度才能